Лунная ночь картина крамского, «Лунная ночь» — лиричная картина Крамского - Независимая Окружная Газета
Одной строкой. О творчестве Брука известно мало. Житие сообщает, что после этого истязания Себастьян выжил, однако был приговорен к повторной казни через побиение камнями.
Непревзойденным мастером лунного света называли Айвазовского. А теперь стали говорить и писать, что «Куинджи пошел дальше всех, даже Айвазовского».
И действительно, благодаря контрасту иссиня-черной тени на первом плане и мерцающими зеленоватым светом мазанками вдали ему удалось добиться, как утверждали «Биржевые ведомости», «невиданной силы эффекта». Только правомочно ли здесь слово «эффект», слово, обозначающее что-то нарочитое, придуманное? Может быть, лучше употребить другое, тоже часто встречающееся при рассказе об «Украинской ночи», — иллюзия? Когда через девять лет после «Русалок» Крамской, наконец, справится с лунным светом — напишет женщину в белом платье, сидящую в ночном парке на залитой луной скамейке, картина его окажется чисто внешней, рассчитанной лишь на живописный эффект; не случайно критики назовут ее «сентиментальной сцепкой Женщина будет смотреться сама по себе, парк сам по себе, сверкающие цветы кувшинок и их отражения в черном зеркале пруда воспримутся как нарочитые и довершат ощущение театральности.
Куинджи писал ту же лунную ночь, но он стремился не просто воссоздать лунный свет, а и передать производимое им впечатление. Его полотно было не только нарядным, но и глубоко эмоциональным. Глядя на него, никто и не вспоминал о театре — думали о правде жизни, о красоте природы.
Все в картине казалось правдивым, естественным, почти натуральным, люди испытывали перед ней такие же чувства, какие порождали реальные встречи с югом. И все-таки удивление, вызванное «Украинской ночью», нельзя объяснить лишь сказочностью освещения. В этой картине многое было необычным, новаторским. Пейзажисты-передвижники, как правило, использовали первый план своих полотен для обстоятельного рассказа о жизни природы: так поступали и Саврасов, и Шишкин. Куинджи отверг описательность, ослабил внимание к конкретным предметам, к деталям.
Более того, художник погрузил передний план в темноту; чтобы убедиться, что он заполнен, надо было и вглядываться, и вдумываться. Передвижники рассматривали живописное поле как единую пашню, на которой — во всех частях и направлениях — должны прорасти злаки: все, что попадало на это поле, отличалось лишь размером, все было незыблемой частью композиции, полноправной частью целого — зритель мог рассматривать любую часть пейзажа.
Куинджи резко разделил воссоздаваемое на главное и второстепенное, выделив главное светом и цветом. Он не просто разворачивал перед зрителем картину украинской ночи, он руководил его зрением, активно и действенно направляя его взгляд на определенные предметы и явления. Даже в изображении освещенных мазанок у него отсутствовали подробности. Вместо конкретности, вещности изображения зритель видел светлые пятна, и пусть за одним из дальних окон горел зажженный человеческой рукой огонек, это был не столько след чьей-то жизни, сколько ее знак.
Озаренные призрачным светом, немногочисленные, строго отобранные детали приобретали многозначительность и даже символичность. Источник: О. Все картины хороши, но отдаю предпочтение картине Айвазовского " Феодосия". Великолепно показан лунный свет, озаряющий картину, хотя луны как таковой не видно, она вне поля зрения. Винсент ван Гог "Белый дом ночью" Эрмитаж Картина была написана 16 июня Винсент ван Гог "Белый дом ночью" Эрмитаж Картина была написана 16 июня года около 8 часов вечера в городке Овер-сюр-Уаз, за шесть недель до смерти художника.
Точное время удалось установить благодаря расположению Венеры на небосклоне. Астрономы Дональд Ольсон и Рассел Дёшер из Университета штата Техас в Сан-Маркосе рассчитали, что изображённая на картине звезда — это Венера, которая как раз была самым ярким объектом на вечернем небе в июне года.
Картина считалась утерянной после Второй мировой войны и была впервые представлена публике в году в Эрмитаже на выставке произведений трофейного искусства, захваченных Советским Союзом в конце Второй мировой войны.
Владимир Саксон «Белая ночь» бумага, автолитография. Джон Уильям Уотерхаус Частная Джон Уильям Уотерхаус Частная коллекция. Это не первая попытка создания картины с таким содержанием: годом ранее он написал одноименное, но менее известное полотно. Живопись и литература неразлучны в творчестве Уотерхауса, и вдохновением для него может послужить одна лишь строка. Тема женщин и цветов была востребована среди прерафаэлитов и английских романтиков, но Уотерхаус подходит к ней иначе.
Он не просто любуется милыми глазу образами и предметами, а вкладывает философский смысл, буквально цитируя первое четверостишие стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика — английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью.
Первая строка, как и само название картины, на английском звучит так: «Gather ye rosebuds while ye may», что дословно переводится как «срывайте розовые бутоны, пока можете». На фоне цветочной поляны изображены две девушки, срывающие цветки с розового куста и складывающие их в букет. Художник изобразил их, как античных нимф: они воплощение нежности, женственности и чистоты, они беззаботны и слились с природой.
Именно таким слушательницам Геррик посвящает свои слова.
Их головы склонились над цветами, их шеи и плечи чувственны и обнажены, но, как и цветы, эти девушки спокойны и бесстрастны. Платья их, как туники, легки и прозрачны, воздушными складками окутывают героинь, живописно передавая слова автора: Отбросьте скромность, и наряд Оденьте подвенечный; Пройдёт весна и сей обряд Вам ждать, быть может, вечно. Позади юных дев течет небольшая река — символ течения жизни и уходящего времени, и на другом берегу, вдалеке, среди кедровой рощи еще две женские фигуры: одна девушка наклонилась за цветком, а вторая стоит с поднятым передником, полным цветов.
Вся картина выполнена в ярком весеннем колорите. Это синие горы на горизонте, свежая трава и темные кроны деревьев.
Пыльно-розовое и васильковое платья — цветовая доминанта всей работы. Добавляют контраста насыщенные цвета волос девушек: золотисто-рыжий и иссиня-черный.
Автор всеми художественными способами создает для зрителя ощущение свежести и абсолютной молодости, призывая радоваться каждому моменту.
Интерес к живописи Уотерхауса после его смерти значительно снизился. Это привело к тому, что какое-то время его картины можно было приобрести за бесценок. Именно поэтому многие значимые полотна сейчас находятся в частных коллекциях, а не в государственных музеях. Такая же участь постигла работу «Срывайте розы поскорее», хотя ее история более чем туманна.
Картина пропала из поля зрения практически на сто лет и была случайным образом обнаружена в одном из домов в Торонто. Когда владельцы приобрели дом у предыдущих хозяев, она уже висела на стене.
Каким образом работа оказалась в Канаде, до сих пор никому не известно. Сел Иона у стен города и сидел надувшись и ждал чего будет - погибнет город или Сел Иона у стен города и сидел надувшись и ждал чего будет - погибнет город или все таки нет. И тогда Господь, чтоб и Иона не грустил и солнышком ему голову не напекло, за ночь вырастил над Ионой кустик - вероятно, то была тыква или клещевина.
Иона ужасно обрадовался кустику. Тогда Господь на следующую ночь кустик уморил и тот высох. Расстроился Иона, да так сильно, что начал просить о смерти. Ну, вообще, Иона такой специфический пророк, как вы наверное уже поняли - не только убегает от воли божьей, так и еще в любой непонятной ситуации не стоически терпит бедствия, огорчения или просто неприятности, а сразу молит о смерти. А это его даже ни разу в костер не бросили, львам не скормили и на дыбе не растянули, как бывало.
Он сказал: очень огорчился, даже до смерти. Тогда сказал Господь: ты сожалеешь о растении, над которым ты не трудился и которого не растил, которое в одну ночь выросло и в одну же ночь и пропало: Мне ли не пожалеть Ниневии, города великого, в котором более ста двадцати тысяч человек, не умеющих отличить правой руки от левой, и множество скота? Дело в том, что сам Иисус в Новом завете сравнивает себя с Ионой - как Иона тусовался в ките три дня и три ночи, так же и Сын Человеческий три дня и три ночи проведет в земле, а после воскреснет.
И еще мне кажется, что этот пророк, Иона, он самый человеческий из всех - он то боится, то хулиганит, то ропщет и в его короткой истории столько живого. Вот совсем крохотная подборка картинок из рукописей и пара фресок из разных храмов и даже иранская книжная миниатюра XIV века, потому что пророк Иона Юнус актуален для мусульман тоже.
Париж" г. Жорж Сёра Если вы думаете, что Жорж Сёра Жорж Сёра Если вы думаете, что Жорж Сёра написал здесь главную французскую достопримечательность и самый посещаемый туристический объект, вы сильно ошибаетесь. В году художник взялся написать самое спорное и скандальное инженерное сооружение, возведенное посреди Парижа как раз в этом году к открытию Всемирной выставки. Это было то самое сооружение, против которого выступили практически все известные писатели и художники, пытаясь убедить муниципалитет в том, что посреди города прямо сейчас совершается акт вандализма и эта громадная, уродливая, совершенно бесполезная заводская труба исказит архитектуру Парижа и уничтожит вид из любого окна.
Помните хрестоматийный анекдот, что Ги де Мопассан обедал ежедневно в кафе на первом уровне башни. Когда его спрашивали, зачем, он отвечал: «Это единственное место в Париже, из которого ее не видно». Эйфелеву башню строили непрерывно рабочих в течение двух лет и двух месяцев. На глазах парижан происходило удивительное действо: больше 18 тысяч деталей конструкции постепенно доставлялись к месту строительства, поднимались на кранах и лифтах выше и выше, пока вся десятитонная конструкция не встала над миром самым высоким сооружением.
Процесс строительства приводил горожан в восторг, растущий металлический монстр ужасал и восхищал. Планировалось, что башня простоит посреди города 20 лет, а потом ее разберут. Но оказалось, что ее удобно использовать для передачи радиосигнала, а потом и телевизионного сигнала, с ее помощью можно перехватить радиосигнал и выиграть сражение в войне. Словом, башня осталась. Жорж Сёра, конечно, ничего этого не застал, он умер через два года после ее строительства и через два года после написания этой картины.
Но, конечно, в качестве объекта, передающего незыблемую монолитность, постоянство и непреходящую мощь, он не мог выбрать ничего лучше. В отличие от импрессионистов, стремившихся схватить сиюминутность, мимолетность крошечного момента жизни, неоимпрессионисты, и Сёра, как основатель движения, стремятся передать как раз эту неизменную сущность вещей, те их основные качества, которые не изменятся от времени года или солнечного освещения.
В их работах нет движения — они ищут истину, которая будет понятна и очевидна днем и ночью, сию минуту и сто лет спустя. В отличие от тех самых художников и писателей, которые писали грозные петиции городским властям Парижа, Сёра, судя по всему, не испытывает ужаса и негодования от вида металлического монстра, выросшего посреди любимого города.
Его картины, конечно, никто не пустит за эту башню, в павильоны Всемирной выставки — там сплошь признанные звезды и гордость страны, а пуантилизм только-только несколько лет назад стал новой занозой во всех чувствительных местах салонных академиков. Они едва признали Эдуара Мане, они с ужасом открещиваются от коллекции импрессионистов, которую преподнес государству в дар Гюстав Кайботт. А тут пуантилизм — полунаучная мозаика, замешанная на химии, физике и черт знает какой оптике, явно мало общего имеющая с творчеством и вдохновением.
Поэтому конечно Сёра не позовут в павильоны Всемирной выставки в качестве участника — он останется по другую сторону башни и напишет металлическую десятитонную громадину так, как ее будут писать много лет спустя все художники мира, как ее будут фотографировать все фотографы мира, даже зеваки-туристы. Изящным, совершенным по форме, незыблемым и незаменимым в городском пейзаже Парижа, лучшим архитектурным чудом, какое только могло случиться с этим городом.
Эдвард Хоппер Центр искусств Уокера, Миннеаполис. Камиль Коро Музей изящных Камиль Коро Музей изящных искусств, Хьюстон. Картина Камиля Коро «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» — пожалуй, самое волнующее из всех живописных воплощений древнего мифа. Пронзительная нежность её тончайшей серебристо-зеленоватой гаммы сопоставима разве что со скрипичной увертюрой к опере «Орфей и Эвиридика» Кристофа Виллибальда Глюка. Согласно мифу, воспроизводимому в «Георгиках» Вергилия, лесная нимфа Эвридика была покорена музыкой и пением влюблённого в неё Орфея.
Но счастье взаимной любви длилось недолго. Когда Эвридика с подругами-дриадами водила хороводы в роще, её ужалила смертоносная змея. Потерявший жену Орфей был безутешен. Он решает отправиться в подземное царство и вымолить у Аида и Персефоны отпустить Эвридику с ним. Его музыка помогла ему быть убедительным. Лишь одно условие было выдвинуто легендарному певцу: не оглядываться — иначе Эвридика умрёт.
Но Орфей не вытерпел. Он повернулся удостовериться, что любимая следует за ним, и лишился Эвридики, теперь уже навсегда. У Камиля Коро есть и менее известная картина «Орфей оплакивает Эвридику», рисующая предпоследний акт свершившейся драмы финалом которой станет растерзание Орфея обезумевшими вакханками. А картина «Орфей, ведущий Эвридику из преисподней» показывает зрителю тот момент, когда еще жива надежда, когда Орфей держит свою лиру в высоко поднятой руке, как путеводный факел, озаряющий путь, а мрачные тени подземного царства тают в предутреннем тумане.
Пейзаж для Коро в этой картине оказывается, как ни удивительно, намного важнее главных персонажей. Коро был настоящим виртуозом в передаче переходных состояний природы — этих туманов, которые вот-вот рассеются, но могут и угрожающе сгуститься. Или этих коротких минут, которые уже и не ночь, но и еще и не утро — недаром его называли «певцом рассвета», а президент Французской Республики Наполеон III шутил: «Чтобы понять этого художника, придётся слишком рано вставать».
В изображении Царства теней нет ничего пугающего или резкого — только призрачность, только прозрачность. Достичь этой невероятной зыбкости Коро помогали валёры — тончайшие переходы тонов в пределах одного цвета.
Известен афоризм художника «Валёры — прежде всего! Коро еще будут называть «поэт деревьев». Его деревья — особые, узнаваемые. Они написаны тонкой кистью, мазками и помельче, и покрупнее. Разные размер и плотность мазка дают возможность показать, как волнуется крона деревьев, как подрагивают на ветру листья. Мы смотрим на неподвижное полотно и — о, чудо! После импрессионизма этому больше не принято удивляться.
Но Коро начал писать за несколько десятилетий до экспозиций импрессионистов, а к ним самим отнёсся настороженно: называл «бандой», отговаривал своего ученика и тёзку Камиля Писсарро участвовать в их выставках. И, тем не менее, лирический пейзаж Коро делает его самым близким предтечей имперессионизма.
Коро пришлось снести немало нападок за верность собственной манере, за свой незапланированный авангардизм.
Им долго и высокомерно пренебрегал официальный Салон. Картины Коро развешивали в самых тёмных залах выставок Салона, где его валёры мудрено было разглядеть, а о его великолепных деревьях обидно утверждали, что это-де «какая-то грязная мыльная пена». В действительности живые деревья в царстве мертвых — чудесная живописная находка Коро.
Он видел в создании пейзажей высшую и единственную цель собственной жизни. Ради неё он отрёкся от радостей супружества — по сути, сознательно отказался от счастья Орфея и Эвридики.
Это решение не подлежит изменению и не позволяет мне связывать себя узами брака». Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи.
Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов.
В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации различные заказы, ответы на приглашения и проч. Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо.
В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно. Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ.
Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта. Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице.
Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега. Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти. Пабло Пикассо "Голубь с зелёным горошком" В ночь на четверг 20 мая Пабло Пикассо "Голубь с зелёным горошком" В ночь на четверг 20 мая года из парижского Музея современного искусства были похищены 5 картин, В числе которых оказался и «Голубь».
Охранники, находившиеся в ту ночь на службе, ничего не видели и поэтому не отреагировали, пока в утра не заметили разбитое окно и сломанный замок. На видеокамерах было видно, как мужчина в маске разбивает окно, идёт по коридорам музея и снимает со стен картины.
Вскоре преступника арестовали. Он подтвердил, что похитил картины, но в панике бросил их в мусорный контейнер.
Полицейские обыскали указанный контейнер, но картин в нём не нашли. За преступление вор был приговорён к восьми годам тюрьмы. Хотя он действовал в одиночку, следователи предположили, что кража была заказана. Они не поверили в версию с мусорным контейнером. Несмотря на то, что французский мир искусства вежливо попросил преступников вернуть шедевры в музей, картины до сих пор не найдены.
Общая стоимость украденных полотен составила миллиона долларов. На заключительном этапе работы над полотном в роли натурщицы выступила Елена Третьякова — вторая жена известного российского мецената и коллекционера Сергея Третьякова. Санкт-Петербург, Русский музей В Произведение имело небывалый успех. Сияние лунного света было настолько фантастическим, что художника подозревали в использовании каких-то необычных японских красок, обвиняли в связях с нечистой силой или пытались отыскать с обратной стороны полотна спрятанные лампы.
Конечно, весь секрет заключался в умелом построении композиции и сочетании красок, которое создавало эффект сияния и иллюзию мерцающего света. Куинджи на самом деле много лет работал над созданием новых красочных пигментов и грунтовок.
Художник продал картину Великому князю Константину Константиновичу, который взял ее с собой в кругосветное путешествие. Под действием морского воздуха состав красок изменился, что привело к потемнению пейзажа. О творчестве знаменитого пейзажиста Архипа Куинджи говорили, что его картины на выставках затмевают все остальное. Среди прочего на ней демонстрируется пятиметровое полотно художника-соцреалиста Бориса Окорокова, созданное в году.
Пятиметровое полотно «До свидания, Земля» показали впервые за 50 лет. В программу вошли фильмы, участвовавшие в конкурсных программах Берлинского, Каннского, Роттердамского и других крупных кинофестивалей последних лет. Показ приурочен ко Дню российского кино. Исаак Левитан "Сумерки. Стога" Это одна из последних работ Левитана. Написана в доме Чеховых, в Ялте. Антон Павлович разгуливал, заложив руки за спину, и сокрушался о том, что ему, прирождённому северянину, приходится жить вдали от снега, берез и глухих лесов.
Левитан попросил Марию Павловну принести картон, пристроил его в длинном углублении камина. Разговоры смолкли. Левитан писал. Когда он отошел от картона, все увидели луну, поднимающуюся за стогами.
Словно сильным запахом свежего сена повеяло в комнате. Родной пейзаж. Теперь он всегда будет перед глазами Чехова, когда он поднимет их от листочков, исписанных убористым почерком.
Он будет напоминать о далёкой природе севера и о несравненном художнике. Картина понравилась Чехову. Он писал о ней: "У нас Левитан. На моём камине он изобразил лунную ночь во время сенокоса.
Луг, копны, вдали лес, надо всем царит луна". Май Данциг "Новоселы" Данциг намеренно пренебрёг бытовыми деталями и Май Данциг "Новоселы" Данциг намеренно пренебрёг бытовыми деталями и мелочами: всевозможные полки, шкафчики, горшки с цветами, часы, лампы. И вот за это художник чуть не поплатился. Когда картина попалась на глаза представителям выставочного комитета, ее тут же приказали снять с экспозиции, а художника обвинили в клевете на советскую действительность: "Где вы видели у нас босых людей, у которых нет никаких вещей, пригорюнившихся?
На следующий день полотно прекрасно прошло цензуру, и даже получило хорошую рецензию. Туфли Май Данциг впоследствии закрасил. На этих картинах изображена ночь и Христос в Гефсиманском саду. Попробуйте угадать, какая из них принадлежит кисти Куинджи. Осло, Музей Мунка В этой поздней Работа написана с крыльца дома художника.
Зима накрыла город пушной шапкой. Автор дает лишь общее представление о "земной" части пейзажа. Его интересует небо, усыпанное крупными звездами, полное зеленоватых сполохов. Луна померкла на фоне ярких полярных звезд.
Звездный свет переходит в свет электрический, дополняя и преобразуя его, гармонично объединяясь. Работа наполнена уютом и задумчивостью, которая присуща всякому, кто увлечен звездным небом, видя в нем источник вдохновения и раздумий.
Несмотря на некоторую "смазанность" перспективы и упрощение объектов изображения, работа выполнена мастерской рукой, а умение обращаться с цветом и эмоциональная насыщенность картины выдают недюжинный талант.
Набив руку, она принялась писать портреты богатых и знаменитых и разбогатела и прославилась сама, не только благодаря своему «элегантному ар-деко», но и за счет щедрых любовников. Это по-настоящему циничное и бездушное искусство, тем не менее, вошло в иконостас авангардной живописи.
Ну полюбуйтесь на скромную польскую девушку хоть. Недостатка в деньгах и славе она не испытывала даже при жизни, которой хватило бы на десятки сценариев. Четвёртый сборник экскурсий 1 Государственный Эрмитаж. Документальный фильм-экскурсия на 3,5 часа 2 Пешеходная экскурсия по Венеции без комментариев.
Из цикла фильмов "Красуйся, град Петров! Биография коллекции" 14 Внутри Лувра. Экскурсия без комментариев. Краткая история жизни 17 Парадные, дворы и лифты на улице, где вырос Путин. Экскурсия по Петербургу 18 Экскурсия по выставке «Авангард. Экскурсия по историческому центру.
Левитан «Ненюфары» 31 Экскурсия по дому купца Игумнова Рембрандт и фламандцы 35 Жемчужины коллекции. Мастера Лейденской школы тонкой живописи 36 Египетский музей в Каире. Лекция Виктора Солкина Санкт-Петербург. ТОП-5 мест для прогулок! Легенды и факты о Питере! ТОП-5 неочевидных мест для прогулок. Вместо Красной площади. Часть 1 39 Золотое кольцо. Экскурсия в Гатчинский дворец 46 Прогулка по Клину - музей и фабрика ёлочных игрушек Третий Сборник экскурсий Второй сборник экскурсий Первый сборник экскурсий.
Нико Пиросмани Частная Нико Пиросмани Частная коллекция. Впервые она была выставлена в Тбилиси в году.
Картина хранилась в Государственном музее искусств Грузии до тех пор, пока советское правительство не решило подарить ее французскому писателю Луи Арагону.
Тот был женат на Эльзе Триоле, младшей сестре Лили Брик. Большую часть жизни он горячо поддерживал коммунистические идеи. Впрочем, со временем Арагон в них разочаровался и резко отрицательно характеризовал советский тоталитаризм.
Подаренная Арагону картина Пиросмани некоторое время хранилась в московской квартире Лили Брик, а затем перекочевала во Францию. Однако Игорь Оболенский, автор биографической книги «Сказки Пиросмани», описывает совершенно иной путь, которым «Арсенальская гора ночью» попала во Францию. Когда большевики пришли к власти, Кирилл Зданевич - один из двух братьев-художников, которые открыли миру кавказского самородка Пиросмани и активно скупали его картины, - остался в Грузии, потом переехал в Москву, а его брат Илья Зданевич уехал во Францию.
Кирилл передал государству почти всю коллекцию картин Пиросмани - грандиозную на тот момент. По этому поводу между братьями возник конфликт. Живущий в Европе Илья не понимал, как можно подарить картины, которые зачастую покупались на последние деньги. Кирилл же прекрасно знал, что если он их не подарит сам, то государственный молох перемелет и его, и картины.
А так был шанс хотя бы несколько полотен оставить в семье. Этот широкий жест не помог, и в х годах в Москве Кирилл Зданевич был арестован. Поводом послужила бутылка виски. С точки зрения КГБ всё было логично: пьет виски - значит, шпион загнивающей буржуазии. Но основной, не называемой вслух причиной стал визит к художнику англичанина, который хотел посмотреть Пиросмани. Шесть лет Кирилл Зданевич провел в лагерях по «политической й».
Его жена, чтобы выжить, постепенно распродавала уцелевшие картины. Вот тогда «Арсенальская гора ночью» будто бы и оказалась у Лили Брик, а потом перекочевала к ее сестре и Луи Арагону. Впервые на торги картина была выставлена в году. Директор Государственного музея искусств Грузии Гия Марсагишвили прокомментировал сделку, заявив, что это катастрофически низкая стоимость, поскольку на данный момент реальная цена картины должна была быть в раз выше.
Сделка была совершена по телефону. Покупатель — грузинский миллиардер Бидзина Иванишвили отдал за картину , фунтов стерлингов 1,, долларов. Время словно застывает на его полотнах. В них нет спешки. Художник выхватывает из контекста повседневности любой объект, будь то небесная синь, грандиозные вершины гор, натюрморт или люди, и представляет нам слепок этого объекта в контексте вечности — не той, которая никогда не заканчивается, а той, которая в принципе никуда не движется — ей некуда.
Остановись, мгновение. Мгновение останавливается на полотнах Пиросмани. Пиросмани нередко упрекали в отсутствии перспективы и несоотнесенности размеров изображенного на полотнах.
И действительно, с позиции реализма такой костер вряд ли предназначен для обогрева рук, а о судьбе дома, который ниже роста человеческого, и подумать страшно.
Но таково видение Нико Пиросмани. Вслед за художником мы словно перемещаемся от объекта к объекту. Они объединены в единое целое сюжетом, но при этом остаются отдельными компонентами с собственным пространством — месяц, горы, тифлиcские огни, огромный костер и крошечный домик. Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская Михаил Александрович Врубель Государственная Третьяковская галерея. На рубеже 19 — 20 веков Врубель работал нал циклом картин, который называют «Сказочным».
Помимо присутствия на них сказочных существ, все эти работы объединяет время действия — ночь, из-за чего их еще называют ноктюрнами. Сумерки придают картинам особенный таинственный и сказочный колорит. К тому же ночные сюжеты позволяют художнику выжимать все возможности из своей любимой палитры: любых оттенки синего и фиолетового цветов. Вдохновение снизошло на Врубеля во время его пребывания в гостях у Николая Ге в Черниговской губернии. Там он увидел пышный благоухающий куст сирени и тут же приступил к работе.
Трудно сказать однозначно, кто главный герой на картине Врубеля «Сирень». С одной стороны, роскошное цветущее растение занимает практически все пространство полотна, оставляя лишь маленький уголок для ночного неба. Тяжелые ветви, усыпанные лиловым цветом, кажутся живыми: если долго смотреть на картину, практически начинаешь слышать сладкий запах сирени. Но зыбкая, как утреннее сновидение, фигура девушки тоже притягивает взгляд. Ее однотонный наряд и бледная кожа контрастируют с избыточной роскошью цветов сирени.
Она держится нерешительно и мечтательно, будто смотрит на возлюбленного. Мнения исследователей творчества Врубеля касательно личности героини разнятся.
Одни считают ее душой сирени, ее отображением в человеческом облике, который проявился в мерцании лунного света. Другие видят в этой картине некое продолжение истории о Пане — картины, написанной художником годом ранее. Согласно греческой мифологии, Пан был богом лесов и пастбищ, покровителем пастухов. Он был безобразным: покрытым шерстью, с козлиными рогами и копытами, а его постоянными спутницами были веселые нимфы.
Но одна из них посмела отвергнуть его любовь, поскольку дала обет целомудрия. Когда Пан гнался за ней — а ее звали Сиринга — то нимфа попросила защиты у бога реки, преградившей ей путь. Бог превратил ее в тростник, а Пан смастерил из него свирель, которую в память о прекрасной нимфе назвал сирингой. Кто знает, может быть, на картине Врубеля запечатлен момент перерождения Сиринги в цветущий куст, и именно поэтому так зыбка и эфемерна ее фигура.
У Врубеля есть две картины под названием «Сирень». Но вторая, написанная годом позже, так и не была окончена. Хотя в отношении нее у художника были большие амбиции. Там мне удалось только кое-что уловить, и я очень захотел захватить вещь полнее; вот причина, что я упорствую на этом сюжете». Героиней второй версии должна была стать уже не мифологическая нимфа, но другой персонаж, на этот раз литературный.
Какой она была в представлении художника, понять сложно, но в нечетком наброске силуэта девушки, сидящей под сиренью на лавочке, некоторые зрители угадывают черты жены Врубеля — оперной певицы Надежды Забелы-Врубель. Ночью 18 апреля года бостонский гонец и патриот Поль Ревир с огромной скоростью проскакал от Бостона до Ланкастера, чтобы сообщить всем о высадке англичан. Глядя на картину, не сразу замечаешь гонца, которому посвящено полотно.
